Giorgio Bertazzoli

La serie delle “Donne fiore” nasce sulla scia dell’ispirazione e dell’influenza picassiana:

“Quando Piccasso era insieme a Francois Gilot, una delle sue compagne, l’ha ritratta come se fosse una donna fiore. Non ho potuto non notare come, involontariamente, nel mio dipingere figure femminili, abbia sempre cercato quella stessa metamorfosi”.

Non si tratta, in realtà, solo della metamorfosi con la natura, ma, l’evidenza picassiana, si può scorgere anche nel suo cronico atto di deformazione, presente in ogni sua rappresentazione pittorica.

I quadri delle donne fiore sono certamente vitali e simbolo di rinascita, spengono il malessere di quelli di maggior influenza baconiana, ma restano anatomicamente deformati: un voto a quell’arte imperfetta e bambinesca che fece fare tanta fatica ad un Picasso accademicamente perfetto che voleva mostrare il mondo scomposto in una prospettiva totalmente frantumata, più creativa e in continua evoluzione, combinazione, ispirazione.

Le donne, così rappresentate, diventano senza dubbio simbolo di rinascita, origine della vita, ma mantengono, nelle loro imperfezioni, scomposizioni, nel movimento delle pennellate, e nei loro occhi, un’emotività tutta loro: sono centro e vita anche delle stesse emozioni, che siano di gioia, pianto, speranza, rabbia, insicurezza. 

I quadri, inoltre, per il loro uso di colori fauvisti e accesi e i loro rimandi quasi esotici, riportano alla primordiale idea rappresentativa di Matisse. 

La tecnica usata in queste opere è una tecnica mista che vede l’uso combinato di pastelli a cera, oli e acrilico.

L’uso di colori forti, delle pennellate a graffio, la mancanza di confini e la rappresentazione angosciosa dell’uomo, riportano subito alla riflessione sugli ambiti più surreali, inquietanti e inconsci dell’animo e porta a riflettere sulla condizione umana nel contesto e nel secolo attuale, frammentaria, fluida, scomposta e, talvolta, spaventosa e vuota.

La tecnica usata per questi quadri è l’olio su tela e la serie è in continuo aggiornamento: Giorgio realizza i dipinti sull’onda della sua scia emotiva, che, come dice lui stesso, a volte è una rinascita, a volte la scoperta di un orrore nascosto.

Gli studi sul nudo si ispirano molto, nel tratto, sia ai periodo blu e rosa picassioni, sia agli studi scientifico-anatomico-artistici di Leonardo Da Vinci, volendo così mantenere il dialogo tra i vari periodo dell’arte e crearne una sua sintesi.

La ricerca anatomica realizzata da Giorgio pur rimanendo nella tradizione, risulta provocatoria: i corpi non sono mai rappresentati nella loro completezza e la correttezza formale perde i confini, lasciando spazio alle lacerazioni dell’uomo moderno e unificando apollineo e dionisiaco, ordine e caos.

Giorgio ha poi approfondito molto le sue opere, e, molti di questi carboncini da lui realizzati, sono stati fotografati e ridisegnati sulla base fotografica con l’aggiunta del colore: chiaro rimando all’iperrealismo, che, però, in questo caso, finisce per essere applicato su rappresentazioni quasi informi, rompendo ancora con gli schematismi della tradizione.

​Giorgio ha scelto un unico titolo per queste sua opere, “Torsioni”, rendendo ancora più evidente la volontà di porre l’accento sul movimento, sia fisico che corporeo, dei corpi rappresentati.

Il formato è un formato standard: 30x40cm.

L’interesse a questo tipo di studio artistico e a questa tecnica è iniziato recentemente insieme ad una volontà di riscoperta dell’umano sotto una forma e prospettiva quasi primordiale, nella sua pura essenza: le opere sono tutte databili tra il 2019-2020.

“Il sublime e l’animo umano non si trovano solo nella concretezza dell’individuo, ma nel mondo che ci circonda. Adoro fare ritratti, ma, prima ancora del corpo, è la natura, il respiro, l’ossigeno di ogni cosa a contenere in sé il più profondo e affascinante spavento e la più intima e consolante quotidianità. Il mondo ci respira e noi lo respiriamo; è un flusso, non vi sono confini e standardizzazioni primarie nel vivere. La società fluida di cui tanto si parla, in realtà, è la nostra condizione primaria”.

​La tecnica usata da lui per queste opere è una tecnica mista, composta dall’uso di gessi, oli su tela e acrilico.